Exposición Antológica Barragán 1968-2011
Milton Barragán nació en Chimborazo en 1934, fue subdecano de la facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central.
Escultor ecuatoriano vive en Quito- Ecuador. Trabaja en arquitectura y planificación urbana desde 1958. Trabaja en escultura desde 1968.
Estudio y se formó en arquitectura y urbanismo en Quito, París, Roma, Dinamarca, Holanda y Gran Bretaña 1953 1966.
El trabajo de escultor lo realiza en metal y madera, arte que aprendió solo, le basto con observar algunas construcciones para ir dando forma a los materiales. Milton Barragán es arquitecto de profesión. Abandono su profesión para dedicarse a ejercer el cargo de presidente la casa de la cultura ecuatoriana, terminó su periodo en 1992 y retoma la escultura pero esta vez en madera.
En esta exposición están esculturas de metal y madera, al entrar podemos observar las que están elaboradas de metal su técnica tiene como elementos fundamentales el acero y la suelda. En otra sala están obras realizadas en madera y en otra sala volvemos a ver esculturas en metal.
En la lluvia
Dimensión: 49x 38 x 20
1984 colección museo Nacional de Cultura
La tonalidad de esta escultura que es propia del material que está hecha, el metal, su tonalidad gris nos sugiere inteligencia o comedimiento, ya que los grises son neutros y fríos nos transmiten desanimo o está relacionado con el envejecimiento y la vejez.
Dimensión: 44 x 82 x 52
2005
Esta figura abstracta me parece muy interesante, su tonalidad negra transmite misterio a lo desconocido. Por el nombre de la escultura pienso que es un escorpión, tiene composición asimétrica pero aun así está en equilibrio.
NAO III- bonun vinum
Dimensión: 120 x 175 x 50
1995 Colección particular
La madera hace ver más cálida a la escultura, los colores cálidos pesan más que los fríos. Tiene ritmo por la sucesión de columnas que están en orden y forman parte de la estructura de la escultura. Tiene pequeñas figuras que atraviesan las columnas y son las que dan forma a las columnas.
Me gusta ver las espirales- Andrés Aguirre
Centro Cultural de la Universidad Católica
Como formas creadoras y destructoras, como fuentes de inercia que arrastran permanentemente a la creación. En el agua, en las formas del cuerpo, en la arena, en la mente, la espiral hipnotiza al devolvernos al origen, al punto que no se puede comprender. Aparece de forma espontánea o mecánica, en el aire o en el fuego, en un dibujo, en un movimiento corporal, y siempre resulta de una atracción inexplicable.
“Siempre me han atraído las espirales, son formas naturales que simbolizan la creación, destrucción que están presentes en el fuego, en el agua y en esta exposición es la temática de algunas de las obras, no de todas”, dijo Aguirre.
Andrés Aguirre estudio arquitectura en la Universidad Católica del Ecuador. Ha realizado dos muestras colectivas, en fotografía, pintura y grabado en madera.
Vórtices y Mándalas
Las formas de ordenamiento central generan atracción, las repeticiones crean sensación de infinito. El principio de la hipnosis y los estados de trance es la repetición, en forma visual o auditiva. Estas composiciones fotográficas resultan de la explotación en los mantras visuales y en la piel del autor.
Ad Infinitum en la espiral primigenia. Mover, dar nuevo centro, dar nueva escala y repetir. El encuentro del centro adecuado se da por ensayo y error.
La dualidad de colores produce el dinamismo, La gama fría es recesiva; indicadora de distancia. La gama cálida es expansiva y parece acercarse. Esta combinación de colores es parte de la espiral, nos dan el efecto visual de una espiral.
Árbol
Fotograbado
65 x 50 cm
Este grabado tiene un árbol que es simple, la simplicidad impone un carácter directo y simple de la forma elemental. Tiene actividad, quiere decir que este grabado tiene movimiento por la forma redonda que tiene el árbol y es generada por las ramas.
Los oráculos 1
Grabado en madera
120 x 23 cm, 115 x 23 cm, 115 x 23 cm.
Esta obra está separada en tres partes, el contraste entre la base negra y la figura de color dorada le da una agradable visión. No tiene simetría y las tres partes solo dos están en la misma proporción.
Del Capricho al Disparate: Goya y Dalí
Centro cultural Metropolitano
Dalí, Goya, Dante tres hombres universales de las artes plásticas y literarias.
Tanto en las estampas de Los Caprichos de Goya como en las letras de la Divina Comedia de Dante, Dalí encontró suficientes elementos para su especial visión surrealista, por lo que no dudo en hacerlos parte de su repertorio artístico, enseñándonos, al mismo tiempo, que el surrealismo tenía sus raíces en el siglo XIX.
Dalí desde su arte transformo la mirada del mundo del siglo XIX. Impertinente, sus imágenes retaban a la objetividad, a signos y símbolos, a conceptos y composición, mientras utilizaba las técnicas de academicismo del siglo anterior, volviéndose uno de los mejores dibujantes de la historia. Amante de su tierra de origen, y al mismo tiempo, el prototipo del artista individualista exhibicionista y cosmopolita que habrán de contemplar nuevos siglos.
Salvador Dalí
Salvador Dalí nace en Figueras el 11 de mayo de 1904.
Recibe el nombre de Salvador de su hermano mayor que murió. Esto le produjo gran consternación, pues decían que era su reencarnación.
Es un pintor excéntrico. Lucía una grande melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas Victorianos. Sin embargo era el CUBISMO lo que le caracterizaba y llamaba la atención a sus compañeros.
Era amigo de Gabriel García Lorla, Pepín Bello y Luis Buñuel
Dalí es expulsado de la Academia en 1926 por no quererse sujetar a rendir exámenes, pues no había nadie en condiciones de examinarlo. En este mismo año conoce a Pablo Picasso.
Dalí usa mostacho como admiración al pintor Diego Velásquez.
Se enoja gravemente con su Padre por el enamoramiento con Gala y por su amistad con pintores surrealistas que atentaban a la moral cristina.
En 1931 pinta una de sus obras más célebres. La persistencia de la memoria o los relojes blandos.
Viaja a Estados Unidos y Londres. En 1940 huye de la guerra mundial.
Murió en Figueras en 1982. El Rey Juan Carlos le concedió el título de Márquez.
Francisco de Goya
Nace en 1746 de una familia de mediana posesión en Zaragoza.
Cuando tenía apenas 10 años trabajaba para atender las necesidades del hogar. No se tiene pinturas de esta época, pues ya estaba aprendiendo pintura con el maestro José Luzan.
Goya es un pintor que avanza lentamente. No logra un primer premio en la Real Academia de San Fernando.
Con sus propios recursos viaja a Roma, Venecia, Bolonia para aprender de los grandes maestros como Rubens y Rafael.
En este recorrido realiza un valioso documento llamado cuaderno italiano donde hay apuntes, borrones, ejercicios.
El Diccionario enciclopédico VOZ nos dice sobre Goya lo siguiente: “Pintor y grabador español. Estudio con Luzan y Bayeu su futuro cuñado, en Italia. De regreso a España pinto algunos cartones para la real fábrica de tapices, y la muerte de Bayeu fue nombrado director de pintura de la academia de San Fernando y pintor de Cámara de Carlos IV. Se alejó de la corte en 1823 con la autorización real y centro su estancia en Burdeos, donde murió. Goya sigue la tradición española imponiendo su vigorosa personalidad en todas sus obras, llenas de dramatismo y desgarro (Caprichos, ochenta aguafuertes, desastres de la guerra, fusilamientos del 3 de mayo); de claridad y poesía (la Vendimia, el quitasol, la gallina ciega, la pradera de San Isidro); de majestuosidad y gracia española (la reina María Luisa, la Maja vestida, la Maja desnuda, la Familia de Carlos IV, Carlos tercero y Fernando VI). En el conjunto de su obra llena de luz, de contrastes y de verdad, dejo un cuadro implacable de la vida de su tiempo y una lección de arte que no se supo aprovechar en España, pero ejercicio influencia en la pintura del siglo XIX.
Los caprichos de Goya
Los caprichos de Goya son quizá el producto más puro de su psique. En el capricho el sueño de la razón produce monstruos, alude a ese mundo irracional que todos tenemos en el interior. Desde el inconsciente convierte a su obra en un referente del surrealismo, sin embargo la intervención de Dalí en Los Caprichos no puede entenderse sin revisar también Los Disparates de Goya.
Posiblemente estas coincidencias con el surrealismo del siglo XX, llevaron a Dalí a integrar, en perfecta armonía, su universo con las escenas de Los Caprichos goyescos, llevándolos al disparate daliniano.
La técnica de los Caprichos
Los caprichos son grabados calcográficos, su técnica consiste en incidir o corroer sobre una plancha de cobre, por medios físicos o químicos, con el fin de que las incisiones cubiertas de tinta y mediante la estampación en el tórculo, impriman imágenes en el papel, pudiendo repetir esta operación un elevado número de veces, la tirada de la primera edición de los Caprichos fue alrededor de trecientos ejemplares, y la venta bastante reducida.
Para este tipo de grabado, además de las ideas y los mensajes que se quiere transmitir, se necesita un diestro dibujante, y un hábil técnico (impresor). La técnica de los grabados de Los Caprichos es la combinación de aguafuerte y agua tinta. Lo que proporciona a las estampas un carácter pictórico y no solamente lineal.
Los Caprichos tienen una deuda con la literatura. Sus temáticas parodias de género épico, églogas pastoriles y una estructura que inicia con el retrato del autor y continúa con una serie de tópicos.
El cubismo es un arte creado, es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.
Esta obra tiene una gran austeridad de color, tiene colores neutros y suaves. Tiene una composición central ya que la figura principal domina en el centro. Tiene contra luz por que destaca la silueta. Alrededor se genera un halo que la destaca del fondo.
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