El siglo XVI fue el siglo de la renovación romana y que culmina con la Contrarreforma. Durante el siglo XVI nacieron las prédicas de Lutero, el humanismo de Erasmo de Rotterdam y el principio de la disidencia en el seno del Catolicismo. También se produjo el avance imparable de los turcos, la gran fuerza islámica que no puede menos que ser tenida en cuenta al tratar de explicar el arte, la ciencia y el estado del conocimiento en la época.
El Cinquecento italiano continuó en paralelo a la expansión de la pintura flamenca. En Italia se atravesaba una época de crisis interna que provocó una serie de luchas políticas y militares, lo cual contribuyó al debilitamiento de unas repúblicas en favor de otras. Los hitos más notables fueron la invasión del Milanesado por el reino francés y el saqueo de Roma por parte del emperador Carlos V, un auténtico trauma para la cristiandad que veía cómo el paladín del cristianismo, el monarca español, pasaba a fuego y espada la ciudad santa del Vaticano. El arte, a pesar de la inestabilidad, alcanzó unas cotas geniales, especialmente en Roma y durante el gobierno del Papa Julio II. Éste actuó como mecenas de los grandes: los mejores arquitectos trabajaron para levantar San Pedro del Vaticano y remodelar los Apartamentos Vaticanos.
Miguel Angel pintó para Julio II la Capilla Sixtina, trazó edificios y diseñó innumerables proyectos escultóricos que no siempre pudo rematar (como el frustrado proyecto funerario de la tumba de Julio II). Rafael también trabajó para el Papa, siendo su obra más famosa pintada para éste, la decoración al fresco de las Estancias de la Signatura en los Apartamentos Vaticanos. Fuera de Roma, la gran figura fue Leonardo: hombre de ciencia, humanista, inventor, diseñador de fortalezas y maquinarias de guerra... y excelente pintor. Trabajó para diversas cortes y mecenas hasta establecerse en Milán. Cuando las tropas francesas invadieron la ciudad, se trasladó a Francia llamado por el rey, donde terminó sus días. Él es el autor del estupendo retrato que muestra a una misteriosa dama sin identificar, con un armiño en su regazo, la Dama del Armiño.
PINTURA
Raffaello Sanzio
Conocido posteriormente como el pintor Rafael, nace el 6 de abril de 1483 en Urbino. Sus padres son Giovanni di Sante di Pietro y su madre Magia di Battista di Nicola Ciarla.
Rafael latiniza el apellido de su padre, Sante, y se convierte en Rafael Santius. La letra t, en latín cuando es esta seguido de iu se pronuncia como c o z. Sanzius.
Rafael es uno de los grandes pintores de la época del Renacimiento. Renacer es volver a nacer. La cultura medioeval fenece y vuelve a ser el hombre el centro de atención de los artistas, filósofos y literatos. Italia va a la vanguardia de este movimiento y Rafael interpreta el ideal de la belleza y el amor hacia el clasicismo que inspira el humanismo.
Rafael es el más joven de los tres grandes creadores del Cinquecento y también el más ecléctico. Se llama Cinquecento al desarrollo maduro e inigualable del renacimiento en el siglo XVI. El quattrocento es la época de la iniciación del renacimiento. Los grandes de la época del siglo XVI son Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y Rafael Sanzio.
El 7 de octubre de 1491 fallece la madre de Rafael y su padre contrae un nuevo matrimonio con Bernardina naciendo de ese enlace una hija, Elisabetha, con la que Rafael disputará más adelante por asuntos financieros.
Se cree que Giovaanni Santi sería un artista apreciado en la Corte de Urbino y de cierta cultura y autor de una crónica en verso donde se exalta al duque Federico de Montefeltro. Muere después de tres años después de la segunda boda.
Rafael se inició en el arte de la pintura gracias a su padre. Tras el fallecimiento de su padre queda
Rafael bajo la tutela de su tío paterno y acude al taller de Timoteo Vitti, pintor formado en el estilo de Francia y de Costa, resultando una de las primeras influencias para el joven artista.
Años más tarde acudirá al taller de Pietro Vannucci, para completar su formación. La estancia en Perugia servirá para que Rafael asimile las tonalidades claras, las elegantes composiciones y el paisaje espacioso de su maestro, contactando en estos años con Pinturicchio.
La primera obra de Rafael está fechada el 13 de mayo de 1.500. Se trata del retablo del beato Nicolas Tolentino. Entre 1500 y 1504 realizará varios viajes, apareciendo documentado en Urbino, Perugia y Venecia, especulándose que pudo llegar a Florencia e incluso a Roma.
La obra maestra de este periodo inicial son Los desposorios de la Virgen, donde supera claramente a su maestro. Algunas Madonnas y Las Tres Gracias también resultan trabajos admirables, siempre bajo la influencia de Perugino, realizando composiciones simétricas, estáticas y dotadas aún de cierto quattrocentismo.
En 1504 se traslada a Florencia, recomendado por Giovanna Feltria della Rovere, quien escribe una carta al "gonfaloniero" Soderini. Rafael llega a la cuna del Renacimiento con el deseo de obtener importantes encargos que no se culminarán, pero los cuatro años que pasó el joven pintor en la capital de Toscana serán fundamentales para su formación. Es el momento en el que Miguel Ángel está trabajando en el David, y junto a Leonardo se está decorando la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria, cuyos frescos se han perdido por desgracia. La vida, el movimiento, los escorzos, las anatomías de las figuras serán para Rafael un nuevo reto, abandonando su estilo suave y delicado para introducirse en el Cinquecento. A la influencia de estos dos grandes maestros debemos añadir la de Fra Bartolommeo, resultando obras de inigualable grandiosidad como la Madonna del Granduca o la Bella Jardinera. Precisamente será el tema de la Virgen con el Niño el más demandado por la clientela durante su estancia florentina, convirtiéndose Rafael en el gran creador de Madonnas, que serán imitadas por diversos autores europeos como el español Luis de Morales.
Las obras principales de Rafael son
- La Madonna de Granduca o la Bella Jardinera.
- Los desposorios de la Virgen
- Las tres gracias.
Pero el gran encargo público que él esperaba no llegó, motivando su traslado a Roma llamado por Julio II a finales de 1508. De esta etapa florentina también conviene destacar un interesante número de retratos en los que introduce la captación psicológica del modelo, como observamos en los de Agnolo y Maddalena Doni. Una vez en Roma trabaja en la decoración de las famosas "Stanze", los aposentos privados del pontífice. Julio II encomendará por estas fechas la decoración de la bóveda de la Capilla Sixina Miguel Ángel, resultando una admirable "competencia" entre ambos artistas. La influencia Miguel Ángel se dejará notar en la mayor parte de los frescos. La Stanza della Signatura será su primer trabajo, resultando el pontífice tan satisfecho que permitió al artista destruir todo lo que habían realizado otros artistas, nombrándole el 4 de octubre de 1509 pintor de Corte. Entre 1511 y 1514 pintará la "Stanza del Heliodoro" sin abandonar los numerosos encargos particulares que llegaban en esos años iniciales de la década de 1510, viviendo el pintor días de gloria. Numerosas imágenes de Vírgenes como la del Pez o la de la Silla serán demandadas por sus importantes clientes. La fama le llevará a decorar con frescos la Villa Farnesina, ejecutando los cartones para una serie de tapices destinados a la Capilla Sixtina por el papa León X, sucesor de Julio II y uno de los mejores mecenas de Rafael. Los encargos serán tan numerosos que recurrirá a la colaboración de un amplio taller que trabajará teniendo como modelos los dibujos del maestro. De la "Tercera Estancia" sólo pintará una de sus obras maestras: el Incendio del Borgo. Las "loggias" del Vaticano serán también decoradas por los discípulos de Rafael, cuya temática de grutescos será utilizada por otros artistas posteriormente. En sus últimos cuadros de altar - El Pasmo de Sicilia y la Transfiguración - hay ciertos elementos de renovación espiritual que se estaban manifestando entonces en el mundo católico, anticipando la renovación iconográfica que supondrá la Contrarreforma. Una de las facetas más desconocidas de Rafael es la de arquitecto; amigo personal de Bramante, fue encargado de continuar las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano al fallecer aquél en 1514. La capilla Chigi, en la iglesia romana de Santa María del Popolo, el desaparecido Palacio Branconio, la iglesia de San Eligio de los Orfebres y la villa Madama, en la falda del monte Mario, son las obras más importantes que realizó Rafael dentro de la arquitectura, recibiendo todo tipo de honores y llegando a ser nombrado conservador de las antigüedades romanas.
La muerte de Rafael.
El 6 de abril de 1520 falleció Rafael en Roma, a los 37 años, sin poder disfrutar de todos los elogios y parabienes que le esperaban, admirado por su cortesía y generosidad. En su pintura permite integrar las influencias de los mejores maestros de su tiempo, resultando un estilo personal que ha marcado a numerosas generaciones de artistas.
Las Tres Gracias
El Sueño del caballero y las Tres Gracias formarían un díptico encargado por un importante noble italiano a Rafael al poco de llegar el artista a Florencia. Las tres figuras simbolizarían las Hespérides, ofreciendo la eternidad a sus afortunados elegidos como en el caso del comitente.
Las Gracias están inspiradas en las esculturas clásicas por las que Sanzio manifestó una interesante admiración a su llegada a la capital de la Toscana, convirtiéndose posteriormente en Roma en conservador de las antigüedades romanas. En las figuras podemos apreciar la incorporación del movimiento a sus composiciones, alejándose del estatismo de la escuela de Umbría con Perugino a la cabeza. Las Gracias se insertan con sabiduría en el paisaje, iluminadas por un potente foco de luz que acentúa la belleza de sus cuerpos, cubierto el de la derecha con un transparente velo mientras que sus compañeras se exhiben al desnudo.
La suavidad y dulzura que caracteriza la pintura de Sanzio se empieza a poner de manifiesto, inspirándose en los trabajos Leonardo.
Miguel Ángel Buonarroti
Nació en 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo. Sus padres fueron Ludovico di Leonardo Buonarrroti y su madre francesca di Neri del Miniato di Siena. Fue el segundo de coçinco hijos y su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. Desde entonces quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.
Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras».
Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor renancentista italiano, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Medicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:
Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi , el 12 de febrero de 1530, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:
...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II , y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
En mayo de 1508 aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento.
Después de la muerte de Julio II, en mayo de 1513, el artista hizo un segundo intento de seguir con la obra del mausoleo del pontífice. Con este propósito esculpió las dos figuras de los Esclavos y el Moisés, que reflejan una atormentada energía, la terribilitá de Miguel Ángel. Pero este segundo intento tampoco prosperó.
En 1516, por encargo de León X, inició la fachada de la Basílica de San Lorenzo, trabajo que en el año 1520 debió abandonar con gran amargura. Del proyecto original se conservan numerosos dibujos y una maqueta de madera. A partir de 1520 y hasta 1530, Miguel Ángel trabajó en Florencia y construyó la Sacristía Nueva de San Lorenzo y la Biblioteca Laurenciana, en especial su escalera. Después del saqueo de Roma (1527) y de la expulsión de los Médicis de Florencia, Miguel Ángel formó parte, como hecho meramente anecdótico, del gobierno de la nueva República Florentina, de la cual fue nombrado «gobernador y procurador general de la fabricación y fortificación de las murallas», y participó en la defensa de la ciudad asediada por las tropas papales. En el año 1530, después de la caída de la República, el perdón de Clemente VII lo salvó de la venganza de los partidarios de los Médicis. A partir de este año reemprendió los trabajos de la Sacristía Nueva y del sepulcro de Julio II.
En 1534, al encontrarse a disgusto con la nueva situación política que se había instaurado en Florencia, abandonó la ciudad y se estableció en Roma, donde aceptó el encargo de Clemente VII para trabajar en el altar de la Capilla Sixtina y donde, entre 1536 y 1541, realizó el magnífico Juicio Final. Hasta el año 1550 fue haciendo obras para la tumba de Julio II, y los frescos de la Capilla Paulina que representan La conversión de san Pablo y el Crucifixión de san Pedro.
Vida amorosa
Miguel Ángel pretendía interiorizar las teorías neoplatónicas del amor, haciendo grandes esfuerzos para conseguir un equilibrio emotivo que pocas veces logró. Su inclinación natural por la materia, por las formas físicas -era por encima de cualquier cosa, un escultor de cuerpos-, unida a su fascinación por todo lo joven y vigoroso, emblemas de la belleza clásica,lo llevaron a decantarse por la belleza humana y el amor más sensual hasta muy avanzada su vida. Esta conflictividad enriquecedora con la que el artista vivió su deseo carnal, también afloró en el enfrentamiento con su homosexualidad.
El artista mantuvo relaciones con diversos jóvenes, como Cecchino dei Bracci, por el que sentía un gran afecto. Cuando en 1543, Bracci falleció, Miguel Ángel le diseñó la tumba, en la iglesia de Santa María in Aracoeli de Roma, y encargó que la realizase a su discípulo Urbino.También Giovanni da Pistoia, joven y bello literato, fue durante un tiempo íntimo amigo, y es posible que mantuviera una relación amorosa con Miguel Ángel en la época que empezó a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina.
En un viaje realizado a Roma en 1532, conoció al que sería el gran amor de su vida, el joven Tommaso Cavalieri, un patricio de inteligencia poco común y amante de las artes. Tenía apenas 17 años y Miguel Ángel estaba por los 57 años. Miguel Ángel cree que el cuerpo del hombre es más perfecto que el de la mujer.
Las Obras principales de Miguel Ángel son
- La bóveda de la capilla Sixtina donde está el Juicio Final
- La Pieta
- Moises
- La conversión de San Pablo
- La crucificcion de San Pedro
La Pieta
Nace el 15 de abril de 1452 en Anchiano, Toscana, Republica de Florencia. Muere el 2 de mayo de 1519 a los 67 años en Francia.
Leonardo da Vinci fue anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) murió acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas .Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
Es considerado como el arquetipo y símbolo del hombre del renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva,3 Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Sus obras más célebres son La Gioconda y La Última Cena, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas.
Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.
Las primeras obras son
- Bautizo de Cristo
- La Anunciación
- Madrino Benois
- La Virgen del clavel.
San Jerónimo que representa el estado de ánimo de Leonardo. Pensaba, dice, que iba a aprender a vivir y solo aprendí a morir.
- La adoración de los magos
- La virgen de las rocas
- Juan Baautista.
- Santa María de la Gracia
- Santa Ana, el Niño Jesús y San Juanito.
- La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana.
La Virgen de las rocas
La Virgen de las Rocas está considerada por muchos críticos y especialistas como la gran obra maestra del comienzo de la carrera de Leonardo da Vinci. El cuadro representa a la Virgen arrodillada que acoge con su mano a San Juan, un niño desnudo en posición semi arrodillada, elevando una plegaria al niño Jesús, que responde con el gesto de sus dedos. La mano derecha de María, se abre por encima de la derecha de un ángel que, misteriosamente, señala a San Juan y mira hacia fuera del cuadro en dirección imprecisa, provocando una sensación inquietante. A su vez, las manos de la Virgen y el ángel sobre la cabeza del niño
El cuadro se divide en cuatro partes determinadas por la línea vertical que atraviesa el rostro de la Virgen y la intercepción del eje casi horizontal que une la cabeza de San Juan, la mano derecha de María y el rostro del ángel. Las miradas de la Virgen y de San Juan convergen en el niño Jesús, y las líneas que unen sus cabezas forman un triángulo regular. Sobre la cabeza de la Santa Madre, dos líneas descienden en ángulo recto describiendo una pirámide que contiene a todas las figuras. El círculo determinado por el ángulo de las miradas toca los cuatro rostros.
El movimiento de las figuras de la composición se manifiesta en una estructura piramidal cuyo eje central es el cuerpo de la Virgen. Mediante las actitudes de los personajes y sus disposiciones en distintos planos, el artista consigue el efecto de un volumen cónico que los encierra y cuyo vértice culmina en la cabeza de María. Sobre el conjunto que componen las figuras, el espacio se curva en ábside, reproduciendo la semicircunferencia superior de la representación y albergando las actitudes recíprocas de los personajes.
Leonardo ha hecho que la luz se filtre desde arriba, atravesando las hendiduras de las rocas del fondo, y pasando sobre y entre las estructuras que enlazan las figuras, pero sin iluminarlas. Los personajes se encuentran iluminados por los rayos de una fuente más clara y brillante, en tanto en el ábside, entre el fondo rocoso, domina la penumbra y densa humedad. La piel límpida de los personajes, particularmente la del rostro de la Virgen, más alta, constituye a su vez una fuente de luz.
Leonardo ha hecho que la luz se filtre desde arriba, atravesando las hendiduras de las rocas del fondo, y pasando sobre y entre las estructuras que enlazan las figuras, pero sin iluminarlas. Los personajes se encuentran iluminados por los rayos de una fuente más clara y brillante, en tanto en el ábside, entre el fondo rocoso, domina la penumbra y densa humedad. La piel límpida de los personajes, particularmente la del rostro de la Virgen, más alta, constituye a su vez una fuente de luz.
Sandro Botecelli
El nombre de este ilustre pintor es Alessandro Mariano di Vanni, apodado luego como Sandro Boticelli. Nace en Florencia Italia, el 1 de mayo de 1445 y nuere el 17 de mayo de 1510 en su misma Florencia.
Es un pintor cuatrocentista, es decir pertenece a la edad de oro de la pintura renacentista. Son consideradas sus mejores obras el Nacimiento de Venus y la Primavera. Luego de su muerte perdió fama pero fue recuperado en el siglo XIX.
Era el meeneor de cuatro hermanos del matrimonio formado por Mariano di VanniAmedeo Filipepi, de oficio curtidor, y sus esposa Smeralda. Su hermano mayor de nombre Geovanni, mayor a Sandro con 25 años, le adoptó y le educó- Giovanni tenía el apodo de Botticello por su gordura o por ser un buen bebedor.
A los 14 años se convirtió en aprendiz, siendo primero orfebre y luego de pintor en el taller de Fray Filippo Lippi.
No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray Filippo. .
Muchas de las primeras obras de Botticelli se han atribuido a su maestro, y aún hoy la autoría sigue siendo incierta. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo. En 1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época datan toda una serie de Madonas.
Para el año 1470, Botticelli tendría taller propio.
En 1472 entró a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli se hizo muy famoso, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, hoy perdido.
El nacimiento de Venus
El desnudo femenino protagoniza con pleno derecho esta composición; sus contornos están trazados con un dibujo muy delicado, animándolo con un claroscuro de tan leves gradaciones que la carne adquiere irisaciones nacaradas.
La Venus, no obstante, es tan bella que no nos damos cuenta del tamaño antinatural de su cuello, de la pronunciada caída de sus hombros y de la extraña manera cómo cae el brazo izquierdo. O, mejor, diríamos que estas libertades que Botticelli se tomó con la naturaleza, para hacer una silueta graciosa, realzan la belleza y la armonía del dibujo, ya que hacen más intensa la impresión de un ser infinitamente tierno y delicado conducido a nuestras playas como un don del cielo.
La Venus, no obstante, es tan bella que no nos damos cuenta del tamaño antinatural de su cuello, de la pronunciada caída de sus hombros y de la extraña manera cómo cae el brazo izquierdo. O, mejor, diríamos que estas libertades que Botticelli se tomó con la naturaleza, para hacer una silueta graciosa, realzan la belleza y la armonía del dibujo, ya que hacen más intensa la impresión de un ser infinitamente tierno y delicado conducido a nuestras playas como un don del cielo.
Botticelli escogió la postura de la llamada Venus Púdica, en la que la diosa cubre su cuerpo con las manos; más parece mármol puro que carne, e imita la postura de una antigua estatua romana. Los largos y esbeltos juncos de la zona inferior izquierda remedan la pose y el dorado cabellos de la diosa. Un ceñidor de rosas rodea la cintura de la Hora; sobre los hombros luce una elegante guirnalda de mirto, símbolo del amor eterno, y con su airosa túnica blanca, bordada de acianos, representa la primavera, la estación del renacer. Por esto, entre sus pies, florece una anémona azul, que recalca la idea de que ha llegado la primavera. Los colores son discretos y recatados como la propia diosa; los fríos verdes y azules se resaltan por las cálidas zonas rosáceas con toques dorados. Las olas del mar, estilizadas en forma de V, se empequeñecen con la distancia y se transforman al pie de la concha. De los árboles cuelgan frutos blancos con puntas doradas; las hojas tienen espinas doradas y los troncos también se rematan de oro.
Masaccio
Pintor italiano. La carrera artística de Masaccio es interesante, primero, por la sorprendente relación entre la brevedad de su vida y la importancia, además de relativa abundancia, de sus creaciones, y segundo, por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.
Masaccio se trasladó a Florencia cuando aún era muy joven, y en 1422 figuraba inscrito en el gremio de pintores de esta ciudad. Nada se sabe de lo que hizo hasta entonces y con quién se formó. Se le vinculaba tradicionalmente con el taller de Masolino, pero en la actualidad se cree que no fue en él donde se formó, sino que se incorporó como colaborador ya formado.
Su primera obra documentada, el tríptico de San Juvenal (1422), es una creación que supera plenamente el gótico. En el posterior políptico para el Carmine de Pisa (1426), la composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen su estilo característico, que se despliega plenamente en su obra maestra: el ciclo de frescos sobre la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia, en colaboración con Masolino.
Las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva. La importancia de estos frescos fue tal que todos los grandes pintores posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, los estudiaron.
Probablemente, en 1428, Masaccio realizó su última obra: un fresco de la Trinidad en Santa Maria Novella, que ha pasado a la posteridad como un ejemplo emblemático de perspectiva y composición. Poco después de acabar esta pintura, Masaccio se trasladó a Roma, donde murió de repente, se ha llegado a decir que por envenenamiento. Era una figura prácticamente desconocida, pero su obra no tardó en proyectarlo al primer plano de la actualidad y ejerció una gran influencia durante el Renacimiento
Adán y Eva expulsados del Paraíso
El soporte es el muro, pintada al fresco, la temática representa una famosa escena en la biblia. Es la primera vez que el pintor se plantea hacer el desnudo masculino y femenino y es un atrevimiento criticado. Respecto a la Línea, tiene un fuerte predominio y su trazo es discontinuo se ve claramente una sensación de movimiento. El color tiene un valor crematístico y compositivo, y respecto a la tipología de colores utiliza colores cálidos en las figuras de Adán y Eva o algunos trozos del suelo pero en cambio en el cielo azul ya son colores fríos, y también el ángel con el rojo marca esos colores cálidos.
Con respecto a la luz, según el estilo que decía sería ambiental pero como ya he dicho rompen los patrones del Quattrocento y sería una luz proyectada, hay sombras y no viran al negro sino al marrón oscuro .En pecho de Eva si hay negro; hay unas saturaciones de color.
La perspectiva hay elementos que permiten observar escorzos como en ángel de color rojo, o también la sensación de tridimensional y sobretodo crea sensación de profundidad y creación de distintos planos. Sobre el ritmo y el movimiento, es un mundo de expresión introspectiva este cuadro es el revés el cuadro riñendo, Eva llorosa y con el vientre relajado y Adán con las manos en la cabeza diciendo :¿ Dios mío que he hecho? y con el vientre contraído , que toma aire. Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes.
Paolo Ucello es un artista del Quattrocento florentino. Es un pintor muy preocupado por la perspectiva. Usa mucho la geometría en su pintura, tanto en las figuras, como en la perspectiva o en la composición. También su obra manifiesta el interés del artista por la luz. El tema que prefiere son las batallas.
Posiblemente su obra más destacada es la Batalla de San Romano. En el Utiliza el escorzo para dar sensación de profundidad. También usa el color para conseguir perspectiva. La sensación es que la perspectiva es más descriptiva que de disposición del espacio. Se aprecia su preocupación por el ya citado geometrismo. Las figuras son monumentales.
Otra pintura importante es la Historia de la profanación de la Sagrada Forma. Se trata de un cuadro de pequeño tamaño, donde empieza a haber una construcción espacial, si bien bastante teatral.
En el Retrato del hombre del turbante rojo, Paolo Ucello denota su interés por el dibujo y el relieve, con reparto de la luz para dar volumen.
Es el retrato tipo renacentista de busto, dibujo pulcro, importancia del color, de frente o perfil.
Batalla de San Romano
Puede dar la impresión de tratarse de una obra bastante medieval. Estos caballeros con sus armaduras y sus largas y pesadas lanzas, cabalgando como en un torneo, nos pueden recordar las Crónicas de Froissart. Tanto los hombres como los caballos parecen de madera, como si se tratara de juguetes y, en conjunto, el cuadro parece ser muy distante de la realidad de la guerra.
En principio parece exigir una representación "naturalista. Se decía de Uccello que el descubrimiento de la perspectiva le impresionó tanto, que se pasaba los días y las noches dibujando objetos escorzados y planteándose nuevos problemas. En este cuadro podemos apreciar un poco este embelesamiento. Evidentemente, Uccelo se esforzó mucho en reproducir las distintas piezas de la armadura que están en el suelo en correcto escorzo, así como las patas del caballo que da coces y el guerrero que está en tierra en la zona inferior derecha.
En todo el cuadro podemos hallar testimonios del interés que tenía Uccello por la perspectiva; incluso las lanzas rotas del suelo están puestas de manera que apuntan hacia su común "punto de fuga". Esta colocación matemáticamente precisa es en cierta manera responsable de la apariencia de artificialidad del escenario en el que parece desarrollarse la batalla.
La luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto de lo que podríamos llamar luz escénica.
Fra Angelico
Pintor italiano supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angelico y también Beato por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Nació en Vicchio, Toscana, y su verdadero nombre era el de Guido di Pietro. En 1418 ingresó en un convento dominico en Fiesole y alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la orden con el nombre de Giovanni da Fiesole. Aunque se desconoce quién fue su maestro, se cree que comenzó su carrera artística como iluminador de misales y otros libros religiosos. Después empezó a pintar retablos y tablas. Fra Angelico, sirviéndose a veces de ayudantes, pintó numerosos frescos en el claustro, la sala capitular y las entradas a las veinte celdas de los frailes de los corredores superiores.
En 1445, Fra Angelico fue llamado a Roma por el papa Eugenio IV para pintar unos frescos en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy desaparecida. En 1447, pintó los frescos de la catedral de Orvieto junto con su discípulo Benozzo Gozzoli. Sus últimas obras importantes, los frescos realizados en el Vaticano para decorar la capilla del papa Nicolás V, representan episodios de las Vidas de san Lorenzo y de san Esteban (1447-1449), y probablemente hayan sido pintados por ayudantes a partir de diseños del maestro. Desde 1449 hasta 1452, Fra Angelico fue el prior de su convento de Fiesole. Murió en el convento dominico de Roma el 18 de marzo de 1455.
La Anunciación
la técnica pictórica es el temple sobre tabla. Para preparar la tabla, se realiza un proceso llamado imprimación, que consiste primero en alisar la tabla y darle una capa de cola para tapar sus poros. Encima, se la aplica una capa de yeso mezclado con agua o con cola, con lo que resulta un fondo blanco. Sobre éste, se realiza el dibujo preparatorio y se procede a pintar con los pigmentos disueltos en agua y templados o engrosados con huevo, caseína, goma, o una solución de glicerina.
la pincelada es muy fina, consiguiendo como resultado una imagen de gran belleza; la textura que presenta la pintura, es lisa.
Tanto el dibujo como el color son de gran importancia en el cuadro, puesto que gracias al dibujo se consigue esa perfección en las figuras tan fascinante, y el color aporta a la escena la paz, tranquilidad y belleza del momento representado.
la imagen se encuentra muy bien iluminada, ya que el sol brilla en todo su esplendor, por lo que la apariencia que le aporta es de ser un día maravilloso, por tanto es luz natural. Esta es la impresión que quiso ofrecer el autor, porque esta escena tan fantástica no podría haber estado iluminada de otra forma, ya que ese rayo de luz que alumbra el bello rostro de María, significaba un rayo de esperanza para el ser humano.
Predominan los colores pastel en la representación, muy típico de Fray Angélico. Los colores utilizados por el autor pertenecen en su totalidad a la gama fría. Estos colores aportan sobriedad, paz, y sobre todo belleza a la escena. También cabe destacar el uso del pan de oro.
Andrea Mantegna
Pintor italiano nacido en Vicenza, en 1431. Huérfano desde su más tierna infancia, Mantegna fue adoptado por el pintor Francesco Squarcione, quien le hizo ingresar en la Fraglia o gremio de pintores de Padua. Squarcione, tenido hasta muy recientes días por un mero maestro local, fue en realidad la cabeza de un bando artístico, cuyas enseñanzas seguían tantos artistas procedentes de distintas ciudades del Norte de Italia, que el número de discípulos alcanzó la cifra de 137. Sin embargo, las relaciones entre el precoz artista y su padre adoptivo no fueron todo lo cordiales que parecía deducirse del pacto de adopción y enseñanza, presentándose Mantegna ante los magistrados paduanos el 28 de enero de 1448, solicitando la separación, que obtuvo, del pretendido protector. La fama del joven pintor era ya tan grande, que sólo contaba diez y ocho años cuando Lionello de Este le llamó para retrarlo en compañía de Folco de Villafora.
En 1453 Mantegna contrajo matrimonio con Nicolasa Bellini, hija de Jacobo y hermana de Gentil y de Juan Bellini, enlace que teniendo en cuanto el rango de los Bellini, demuestra cordialidad y duración de las relaciones de Mantegna con la familia de los grandes pintore venecianos.
En 1459 se trasladó a Padua donde trabajó algún tiempo para el podestá Antonio Marcello, trasladándose en cuanto pudo a Mantua, donde le llamaba con premura el marqués Ludovico Gonzagam, para completar la capilla del palacio, comenzada siguiendo las indicaciones del pintor. Estos trabajos y los que solicitaban otros potentados, indican que el nombre de Mantegna gozaba en 1460 de envidiable y merecida fama.
Las últimas obras de Mantegna fueron ejecutadas para la galería de Isabel de Este. En 1476 Mantegna contruyó un estudio y una casa que no llegó a habitar, conservándose todavía el patio. El edificio, llamado el Olimpo, correspondía a los gustos clásicos del pintor. Mantegna murió en 13 de septiembre de 1506, viéndose precisados sus hijos a vender algunas orbas al cardenal Gonzaga tanto para completar la capilla dedicada al gran pintor en la iglesia de San Andrés de Mantua, como para satisfacer algunas deudas.
En 1459 se trasladó a Padua donde trabajó algún tiempo para el podestá Antonio Marcello, trasladándose en cuanto pudo a Mantua, donde le llamaba con premura el marqués Ludovico Gonzagam, para completar la capilla del palacio, comenzada siguiendo las indicaciones del pintor. Estos trabajos y los que solicitaban otros potentados, indican que el nombre de Mantegna gozaba en 1460 de envidiable y merecida fama.
Las últimas obras de Mantegna fueron ejecutadas para la galería de Isabel de Este. En 1476 Mantegna contruyó un estudio y una casa que no llegó a habitar, conservándose todavía el patio. El edificio, llamado el Olimpo, correspondía a los gustos clásicos del pintor. Mantegna murió en 13 de septiembre de 1506, viéndose precisados sus hijos a vender algunas orbas al cardenal Gonzaga tanto para completar la capilla dedicada al gran pintor en la iglesia de San Andrés de Mantua, como para satisfacer algunas deudas.
Cristo Muerto
Magnífico estudio de anatomía que representa la culminación del estilo duro, casi escultórico, e intensamente dramático de su autor: el cadáver aparece encima de una mesa, cuya superficie, lisa y rígida, introduce un factor de expresión dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus dimensiones se acortan de forma brutal.
El original punto de vista determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua: el torso modelado por una luz rasante, y el volumen y la textura de los pies descritos con detalle.
La simplicidad de las superficies anatómicas contrasta con el plegado de la tela que cubre la parte inferior del cuerpo revelando la robustez de las piernas.
La Virgen, acompañada por san Juan y una tercera figura de la que sólo es visible la parte inferior del rostro, se encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su boca se contrae en un rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y que, sin duda, anticipa el gusto manierista por la expresión rebuscada.
Escasos toques de color animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de cadáveres lacerados.
Su composición puede haber sido sugerida por una obra de Andrea del Castagno, y consta que impresionó vivamente a Rembrandt. La figura ha sido representada en un impresionante escorzo y reducida a un tratamiento perspectivo que determina que pueda ser vista desde distintos puntos, alterando la rígida estaticidad monofocal. Con nuestro movimiento, la perspectiva cambia. Se trata, pues, de ofrecernos una realidad vista des de un punto, pero que no es único, sino en el que nos encontramos en el momento de la visión.
ESCULTURA
Donatelo
Es el padre del renacimiento. Su nombre completo es Donato di Nicolo di Betto Bardi. Nace en Florencia en 1386 y muere el 13 de diciembre de 1466.
Donatello es escultor destacado que logra a sus esculturas una gran profundidad en un mínimo plano y que se llama stiacciato.
Trabajó en mármol, terracota, bronce, y madera. Su primera obra es David para la Catedral de Santa María del Fiorge, en Florencia. Entre sus principales obras están David, el púlpito exterior para la catedral de Prato, la estatua ecuestre, La María Penitente.
Su padre fue un revolucionario que por dos ocasiones sale a la revuelta en defensa de su gremio de cargadores de lana. Esta revuelta fue tomada en cuenta por Maquiavelo dentro de la historia de Florencia.
Murió en Florencia a causa de una enfermedad que le paralizó su cuerpo y no pudo trabajar, razón por la que fue pobre sus últimos días. Otros dicen que más bien nunca dio importancia al dinero y que sus ganancias lo ponía en un cesto para que tomen de allí sus ayudantes según sus necesidades.
Donatelo recibió una formación en un taller de orfebrería en la casa de la familia Martelli. Entre 1402 y 11.404 viajo a Roma con Brunelleschi para estudiar arte de la antigüedad. Fue entonces cuando se especializaron en arquitectura romana, analizando y midiendo las cúpulas y demás detalles de las construcciones romanas.
En 1404 regresa a Florencia para trabajar en el taller de Ghiberti, ddonde ayudó en la realización de la cera para la fundición de los modelos de la puerta del Baptisterio de San Juan. Esta oportunidad le fue válida para aprender los secretos de la orfebrería, existiendo una nota de que le reconocen como tal.
San Jorge
San Jorge con el tabernáculo de la iglesia de Orsanmichele fue un encargo del Gremio de fabricantes de armaduras, el resultado venia condicionado porque el gremio quería una obra donde tuviesen protagonismo las armas.
La figura que representa al prototipo de caballero héroe medieval ligeramente rotación alrededor del eje central se basa en la superposición de tres líneas ovales la cara con las cejas el pecho y el escudo. El trazo de la cabeza, en dirección opuesta al torso, parece tener cierta rigidez gótica se puede decir que tiene cierta inspiración en las obras clásicas grecorromanas.
El pedestal tiene unos relieves innovadores, pues muestran una perspectiva experimental, de líneas de convergencia en un punto de fuga.
ARQUITECTURA
Brunelleschi Filippo
Arquitecto, escultor y orfebre italiano. Fue el arquitecto más famoso del siglo XV por que fue uno de los creadores del estilo renacentista. Inicio su carrera en el campo de la escultura. Por su condición de escultor participo en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia, en el que quedo en segundo lugar después de Ghiberti. Después de este relativo fracaso decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura, caracterizado por romper con la arquitectura gótica buscando inspiración en el Arte Clásico que consideraba como el modelo más perfecto de las Bellas Artes. Sus profundos conocimientos matemáticos le llevo al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A Brunelleschi se le debe la formulación de las leyes de la perspectiva cónica.
Su fama es sobre todo por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo, sus conocimientos de ingeniería le permitieron resolver los problemas en apariencia insolubles. Por esta magnífica obra sus conciudadanos lo reverenciaron. Hasta la actualidad la cúpula continua siendo admirable.
A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva. En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc.
También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Precisamente por ello, sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender fría y racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones.
Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco. Pese a la importancia de su figura, la influencia de Brunelleschi en las generaciones posteriores fue muy limitada. Sin embargo, quien sin duda se inspiró de algún modo en él para sus realizaciones arquitectónicas fue Miguel Ángel.
Cúpula de Santa María de las Flores
Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.
Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Está construida sobre un tambor poligonal de madera, que más adelante se recubrió con mármoles, en el cual se abrieron ventanas circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
Donato Bramante
Nació en Monte Asdrulado cerca de Urbino. Arquitecto y pintor italiano. Fue el mayor arquitecto del Renacimiento italiano aprendió de Brunelleschi y Alberti a crear espacios armoniosos y proporcionados. Introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el alto Renacimiento en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.
Añadió al estilo un interés nuevo por la perspectiva que le llevó a crear simples efectos de profundidad y espacio en sus obras.
Se formó probablemente en Urbino, y en 1477 está documentada su presencia en Bérgamo, trabajando en la decoración al fresco del palacio del Podestà. En 1480 se estableció en Milán, donde desplegó una gran actividad como pintor y arquitecto que puede sintetizarse en el impactante Cristo a la columna y, sobre todo en la construcción de Santa Maria presso San Satiro, donde dotó al coro, de pocos centímetros, de una gran sensación de profundidad.
En Milán, Bramante también construyó Santa Maria delle Grazie ; otras obras tempranas incluyen los claustros de Sant'Ambrogio, Milán (1497–1498), y algunas otras construcciones menores en Pavía y Legnano. Sin embargo, en 1499, su patrón Sforza fue expulsado de Milán por el ejército francés invasor, y Bramante decidió marchar a Roma, donde ya era conocido por el poderoso cardenal Raffaele Riario.
En Roma trabajó principalmente al servicio del papa Julio II. En 1503 proyectó el patio del Belvedere y en 1506 se hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro. Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal como Bramante había previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimió una nueva orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento. Intervino también en la sistematización de algunos barrios de Roma, ofreciendo con su palacio Caprini un nuevo prototipo de residencia urbana.
Santa Maria
La iglesia de Santa María presentaba un problema de difícil solución y es que el espacio para la construcción de uno de sus brazos era insuficiente; Bramante solventará dicho problema mediante la creación de un trompe l'oeil que procurará la ilusión óptica de perspectiva. De la segunda de sus creaciones milanesas recibirá encargo hacia fines del s.XV, hallándose ante la tesitura de conciliar de la manera más adecuada lo ya existente con lo que en esos momentos construya.
Este templete es el considerado punto de partida del estilo romano renacentista y perfecto ejemplo de la asimilación y superación de la herencia clásica de la Antigüedad. Supone, además, una muestra perfecta de la arquitectura bramantesca por su sentido de la elegancia y monumentalidad aunque es un templo de pequeñas dimensiones, su estructura clásica y ordenada, el empleo de una planta centralizada y el austero exterior desprovisto de artificio alguno.
La obra de Bramante se convertirá en un referente de la arquitectura humanística a la consecución de la cual se habría aspirado durante todo el Renacimiento, fruto tanto de su ingenio innato como del estudio de tratados, obras y procedimientos al cual se dedicó con verdadero ahínco a lo largo de su vida.
Andrea Palladio
Andrea di Pietro della Góndola importante arquitecto de Venecia nació en la ciudad de Padua en Italia el 30 de noviembre de 1508. A los 13 años ingresa como aprendiz en el taller del arquitecto y cantero Bartolomeo Cavazza da Sossano. En 1524 se traslada con su familia a Vicenza donde es admitido en el taller de Giovanni di Giacomo da Porlezza.
Andrea conoció Giangiorgio Trissino, humanista y personalidad de gran relevancia en los ambientes culturales vicentinos, quien lo puso bajo su protección ayudándolo a completar su formación mediante la financiación de diversos viajes a Roma, ciudad en la que tuvo la oportunidad de conocer las ruinas clásicas. Fue precisamente el mecenas Trissino quien acuñó el apelativo de Palladio para referirse al joven Andrea en evocación a Palas Atenea, diosa griega protectora de las artes.
El 26 de agosto de 1540 recibe el título de arquitecto. Entre 1546 y 1547, paralelamente a su estadía en Roma, estudia en Tívoli, Palestrina y Albano.
Sólo a partir de sus cuarenta años se le conoce a Palladio actividad como arquitecto propiamente dicho. Durante esos años realiza varias villas señoriales en Vicenza y se adjudica el palacio Thiene. En 1549 es nombrado arquitecto mayor de la Basílica, el Palazzo della Ragione de la ciudad, y toma a su cargo la realización de las logias. A la muerte de Trissino, y bajo el alero de un nuevo mentor, el veneciano Daniele Barbaro, Palladio extiende su práctica a la ciudad de los canales.
En Venecia, Palladio se dedica principalmente a la arquitectura religiosa, mientras que por todo el valle del Véneto aparecen las lujosas residencias para aristócratas vicentinos y venecianos que lo han hecho célebre.
En 1554 pública L'Antichità di Roma basado en sus viajes a la ciudad eterna en 1541 y en 1545. En 1570, como fruto de un estudio profundo de las ruinas y de los tratados del humanista León Battista Alberti y del romano Vitrubio, publica en Venecia su famoso tratado I Quattro Libri dell'Architettura (Los Cuatro Libros de la Arquitectura), un tratado muy influyente que logró codificar el vocabulario de la nueva arquitectura clásica internacional.
En 1556 funda en Vicenza la Academia Olímpica. En 1566 es admitido como miembro de la Accademia del Disegno en Florencia. En 1570 ocupa el cargo de arquitecto consejero de Venecia. Sus últimas obras son el Teatro Olímpico y la capilla para la familia Babaro, en Máser (Treviso).
Andrea Palladio muere en Vicenza el 19 de agosto de 1580, a la edad de 71 años.
Teatro Olímpico. Vicenza. (1580-1583).
El Teatro Olímpico de Vicenza fue diseñado en 1580 por Andrea Palladio para la Academia Olímpica.
Fue la última obra de Palladio y el primer edificio de teatro cubierto con tejado en la historia moderna, además de ser el primer teatro cerrado del mundo. Lo primero que salta a los ojos es el proscenio, un arco triunfal en honor a Hércules, en cuya parte superior se observa el emblema de la ciudad. La parte anterior, es decir, es escenario, representa una plaza y detrás del proscenio se abre la espectacular perspectiva de las cinco vías de Tebas, obra de Vincenzo Scamozzi quien superó los proyectos de Palladio. De todas formas, Palladio aportó el sentido real de espacio y perspectiva. La platea central ofrece una ilusión óptica con las calles que parecen perderse en la lejanía.
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